Клей, головний герой «Голландця», проводить пекельну ніч у Нью-Йорку, ніч, яка може обірвати його життя або серйозно змінити його. Чоловік, якого він зустрічає, радить йому «прислухатися до попереджень тих, хто був перед тобою, щоб твоя доля була іншою». Тож ця адаптація «Голландця», знаменитої п’єси Амірі Бараки 1964 року про расу та темношкіру приналежність, оголошує про намір запропонувати альтернативну, оновлену інтерпретацію основоположного тексту. Фільм додає сучасний контекст і відбувається в сьогоденні, але трактування тем п’єси залишається нечітким і затьмарене нездатністю відмовитися від того, що режисер Андре Генс явно вважає священним текстом.

Адаптація, яку Гейнс написав у співавторстві з Касімом Басіром, починається на сеансі шлюбної терапії. Клей (Андре Холланд), успішний темношкірий бізнесмен, намагається зрозуміти, чому його дружина Кайя (Зазі Бітц) зрадила йому, хоча він, здається, захищається та не може відкритися емоційно. Лікар (Стівен Мак-Кінлі Хендерсон) закликає його прислухатися до дружини. Незважаючи на очевидну напругу між чоловіком і дружиною, їх відданість і любов очевидні. Вони не на шляху до розлуки, а, можливо, до кращого розуміння потреб одне одного.

По дорозі на збори коштів у Гарлемі для друга (Олдіс Ходж), який балотується, Клей зустрічає дивну білу жінку в поїзді. З того моменту, як вона побачила його, Лула (Кейт Мара) сповнена рішучості шокувати, спокусити, глузувати та відштовхувати Клея. В одну хвилину вона запрошує його в своє ліжко, а в наступну погрожує «зґвалтувати». Вона наполягає на тому, щоб супроводжувати його на вечірці, де він має намір створити галас і зруйнувати свої стосунки з дружиною, друзями та суспільством. Що викликає її інтерес до Клея, ніколи не пояснюється.

У п’єсі Бараки Клей і Лула служать метафоричними репрезентаціями асиміляції чорних і переваги білих відповідно. Написаний і виконаний на піку руху за громадянські права, «Голландець» був сміливим і випередив свій час. Його провокаційні теми та інтенсивні способи їх вирішення кинули виклик аудиторії. Намагаючись відкрити його для аудиторії 2026 року, Ґойнс і Басір додали вимір Клею, залишивши Лулу лише механізмом протистояння. Цей дисбаланс – один головний герой перетворюється на плоть і кров, а інший ніколи не виживає – заважає центральній розповіді фільму.

Дія п’єси розгортається в потязі метро, ​​і хоча це залишається важливим місцем дії, Гейнс відкриває п’єсу, розташовуючи Клея та Лулу в ширшому соціальному ландшафті, підкріплюючи ідею, що їхня зустріч не ізольована, а вбудована в насильство Нью-Йорка. У потязі, квартирі чи на великій вечірці, повній людей, облаштування сцен разом дає акторам шанс добре зіграти один одного.

Дивно, але “голландець” відкрито згадується кілька разів у сценарії. На початку Клей отримав друковану версію п’єси від свого лікаря. Йому показують мініатюрну версію театру, де його «персонаж» виглядає як маленька іграшка, якою можна маніпулювати. Поки він тусується з Лулою, він помічає телевізійну постановку, що відбувається у вітрині магазину електроніки.

Хендерсон грає кілька ролей і продовжує з’являтися як привид протягом усього процесу, щоб коментувати та повертатися до п’єси. Його героя іноді називають Амірі, і він цитує прямі цитати з п’єси та інших відомих текстів про американську чорношкіру ідентичність. Це метавключення п’єси додає фільму відчуття дежавю, натякаючи на те, що те, що відбувається з Клеєм, може бути обрядом, з яким повинен зіткнутися кожен чорний чоловік у цій країні.

Адаптація Гейнса та Бейсіра відповідає інтелектуальним витокам п’єси. Проте йому так і не вдалося сентименталізувати історію, зберегти її теми, не модернізуючи їх. Можливо, справа в цьому: сучасні афроамериканські чоловіки повинні постійно мати справу зі своєю ідентичністю та тим, як на них дивиться біле суспільство. Якщо причиною цієї адаптації є продовження цієї розмови для нового покоління, то вони досягли успіху.

Голланд втілює в життя роль, написану як символ його раси та національності, що робить його головною причиною перегляду цієї екранізації. Він миттєво стає правдоподібним як закоханий чоловік, якому також боляче, як чоловік із бажаннями, яких він не хоче визнавати, і як амбітний чоловік, який вірить, що заслуговує на свій успіх – усі теми, на які натякає текст і які Голланд оживляє, поєднуючи інтенсивність із чутливістю. У своєму останньому монолозі він додає нотки сарказму, щоб замаскувати справжній гнів свого персонажа, надаючи фільму вибуховий кінець, до якого він прагнув, навіть якщо він не заробив достатньо.

«Голландець» існує в напруженому просторі між благоговінням і переосмисленням. Це адаптація, яка настільки усвідомлює силу та спадщину тексту Бараки, що ніколи повністю не довіряє власним інстинктам. Результатом є фільм, який спонукає більше до роздумів, ніж до емоцій, спонукаючи до обговорення, позбавляючи глядачів емоційного виміру, який міг би надихнути на його актуальність.